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Entretiens

« This is not just music, it’s techno. »1 Entretien avec Laurent Garnier

Florent Coste, Arnaud Fossier et Thomas Mondémé
p. 249-263

Texte intégral

  • 1  Intervention, sur le morceau Acid Eiffel de Laurent Garnier, de Carl Craig pour son mix Kings of T (...)

1Pour rendre compte d’une musique longtemps peu diffusée ou peu appréciée, souffrant jusqu’à il y a quelques années d’une sous-représentation institutionnelle, et parfois aussi stigmatisée que peu relayée par les médias, nous nous sommes adressés à l’une de ses figures tutélaires : Laurent Garnier.

  • 2  Laurent Garnier et David Brun-Lambert, Electrochoc, Paris, Flammarion.

2Né en 1966, Laurent Garnier est l’un des DJs les plus reconnus au monde, mais aussi un compositeur et producteur éclectique, croisant une vaste gamme de genres musicaux. Il a commencé sa carrière à Manchester, au club L’Hacienda, en 1987. Il y découvre la house, une musique largement produite et importée des États-Unis, mais qui n’atteindra la France que bien plus tard, lorsqu’il en sera lui-même l’un des plus fervents promoteurs. À la fin des années quatre-vingt, Laurent Garnier entreprend en effet de jouer à Paris, du moins dans les clubs, encore rares, qui acceptent d’accueillir la musique techno entre leurs murs. Il joue notamment au Rex, dont il sera le DJ résident jusqu’en 2005. Revenu transformé de la rencontre des inventeurs de la techno à Detroit, Laurent Garnier n’aura de cesse de faire connaître cette musique rude et mélancolique à travers ses sets. Plus largement, il devient internationalement reconnu pour l’incontestable qualité technique de ses mixes. Parallèlement, il prolonge sa carrière de producteur. En 1993, il compose son premier album Shot in the Dark. Un an plus tard, il fonde, avec Éric Morand, le label français FCom. 1998 est l’année de la consécration institutionnelle pour une musique jouissant encore d’une trop faible considération auprès du grand public : Laurent Garnier voit son album 30 récompensé lors des Victoires de la musique (dans la catégorie « musiques électroniques ») et réalise un rêve en jouant à l’Olympia. Au fil de ses albums et des diverses rencontres qu’il fait (avec le saxophoniste Philippe Nadaud par exemple), Laurent Garnier continue de croiser les influences musicales les plus diverses (jazz, funk, reggae, blues, acid, hip-hop, etc.). Il surprend et déjoue donc les critiques avec The Cloud Making Machine en 2005, et sort en ce printemps 2009 l’album Tales of a Kleptomaniac. Sa biographie, Electrochoc, coécrite avec David Brun-Lambert et sortie en 20032, révèle parfaitement son statut si particulier dans le monde des musiques électroniques : acteur, témoin, pionnier.

  • 3  Cet entretien a été réalisé en octobre 2008. Mais au moment où le numéro « Techno- » est publié, l (...)

3Tracés : Parlons d’abord de ton actualité, puisque ton album sort en mai 20093. Comment le définirais-tu ?

4Laurent Garnier : Comme dans mon précédent album [The Cloud Making Machine, n.d.l.r.], les morceaux sont très disparates. Mais à la différence de The Cloud, j’ai construit mes morceaux pour y inclure des interventions de musiciens. J’ai conçu ce nouvel album en quelque sorte comme un « chef d’orchestre ». Quand j’ai décidé de faire The Cloud, j’avais déjà cinq ou six morceaux embryonnaires, qui avaient une histoire, dans mon ordinateur. Mais là, ce coup-ci, je n’avais rien, pas d’esquisses. J’ai donc tout fait, en m’inspirant bien sûr à droite et à gauche. L’album s’appelle d’ailleurs Tales of a Kleptomaniac, parce que la kleptomanie est pour moi la définition même de la musique : on ne cesse de s’inspirer, de saisir des instants, de les utiliser.

5Tracés : À propos de titres, l’un des morceaux-phares de cet album, Back to my Roots, est également très évocateur.…

6L. Garnier : Au début, c’était un morceau qui n’avait pas de nom. J’ai d’abord voulu l’appeler Dealing with the Man, parce qu’à ce moment-là je devais négocier avec Éric Morand le fait que le morceau ne serait pas signé chez FCom mais chez Innervisions, qui est l’un de mes labels préférés aujourd’hui. En fin de compte, j’ai réservé ce titre à un morceau beaucoup plus dur, un vrai blues dépressif. Et comme je n’avais pas fait de morceau dancefloor depuis des années, j’ai décidé d’appeler l’autre Back to my Roots. Je l’ai bel et bien signé chez Innervisions, ce qui m’a permis de revenir à une scène qui m’avait un peu abandonné.

7Tracés : Et les autres morceaux de l’album ?

  • 4  Morceau sorti en février 2009.

8L. Garnier : J’avais envie d’un album beaucoup plus « noir », noir dans la musique, j’entends, dans la couleur, pas dans la noirceur. J’étais parti avec l’idée d’un album jazz-funk, une suite en quelque sorte de l’album live Public Outburst. En fin de compte, l’album n’est pas du tout comme ça, il est beaucoup plus dancefloor. Il y a trois titres techno, il y a le remix de Back to my Roots que je trouve vraiment terrible ! Il y a un nouveau titre qui s’appelle Gnanmankoudji, avec toute une section de cuivres à l’africaine4. Cet album est un vrai concentré de tout ce que j’ai fait auparavant, une synthèse de tout ce que je joue comme DJ également. Tu as par exemple un track drum and bass qui fait très « poursuite de Mission impossible dans les rues de San Francisco ». Il y a aussi un morceau reggae, Food for Thougths, sur lequel Winston McAnuff* fait un featuring. J’ai également fait un morceau hip-hop intitulé Free Verse, avec d’un côté une version française faite par un jeune rappeur marseillais, Micflow et de l’autre une version anglaise, beaucoup plus grime et nasty, très simple, avec le rappeur Tumi and the Volume. Les deux versions sont sur l’album. Mais tous les remixes que j’ai faits sont souvent plus forts que les originaux. Nous les avons donc choisis pour les faire figurer sur l’album. Il faut savoir qu’il y a aussi, dans le boîtier du CD vendu dans le commerce, une adresse Internet avec un code qui permet de télécharger un deuxième album. Je n’en dis pas plus et vous laisse la surprise…

9Tracés : Avec cet album, tu as donc été kleptomane avec toi-même, mais aussi avec beaucoup d’autres musiques.

10L. Garnier : Kleptomane envers moi-même, c’est évident. Pour le remix de Back to my Roots par exemple, j’ai utilisé une basse qui ressemble beaucoup à celle de Flashback et de The Man with the Red Face. C’est une basse très lourde, qui m’est chère. J’ai d’ailleurs appelé ce remix Back to my Flashback Roots. Je joue donc avec mes anciens morceaux…

11Tracés : Mais tu ne fais pas toi-même le mastering

12L. Garnier : Non, je donne mes morceaux finis à Stéphane [Scan X*, n.d.l.r.], avec les effets que j’aime. Lui, ensuite, sépare piste par piste. Tout sort sur des pistes séparées, et comme tu n’écrases pas ces pistes les unes sur les autres, l’ensemble garde une dynamique incroyable. Ensuite, il me sort le morceau en gauche/droite [en stéréo, n.d.l.r.]. J’écoute et je lui demande de me trouver tel ou tel effet supplémentaire. Sur certains morceaux, je l’ai d’ailleurs rendu fou ! Je lui ai demandé de les refaire dix fois. Mais, au final, je suis très excité. Musicalement, je me suis vraiment fait plaisir.

13Tracés : Revenons un peu en arrière dans le temps. Dans quelle mesure tes productions ont-elles évolué avec les machines que tu avais ? Comment les as-tu acquises, ces toutes premières machines, et comment t’en es-tu servi ?

  • 5  Un plug in est un petit programme ne pouvant fonctionner seul et se greffant donc sur l’interface (...)
  • 6  Reaktor est un logiciel de production musicale qui fonctionne comme un studio virtuel. Les utilisa (...)

14L. Garnier : Il y a un moment où il y avait peu de machines. C’était l’ère du hardware et de l’analogique. J’ai donc acheté tous les vieux synthés, Jupiter 8, MS20, Juno 106. Tous ces trucs avaient du grain. Je les ai gardés, bien entendu, et les utilise encore un peu. Moins qu’avant, cela étant, parce que ce sont des machines lourdes, qui prennent de la place. Je pense qu’aujourd’hui il est bon de mélanger un ou deux très bons synthés et des plug in5. À l’époque, tu avais des machines où il y avait peu de presets, de sons préconfigurés. Tu travaillais donc au maximum les sons, en tâtonnant, petit à petit. Mais aujourd’hui, tu as tellement de machines sur le marché ! Les sons ont tellement changé ! Reaktor6 par exemple est une mine d’or pour quelqu’un qui veut faire de la musique. Le spectre des sons est incroyable. Sur mon nouvel album, j’ai donc beaucoup utilisé Reaktor. Néanmoins, j’ai gardé mon petit Juno 106, j’ai gardé mon petit DX100. J’ai aussi acheté une machine chez Dave Smith, le Polyvolver, un synthé analogique avec plein de boutons, qui a un son magnifique. C’est comme si tu avais un Moog*, un Jupiter 8 et un Oberheim* en même temps…

15Tracés : Mais pour te servir de ces machines, continues-tu de tâtonner ?

16L. Garnier : Évidemment ! Sur mon nouvel album, pour la première fois, j’ai beaucoup joué de mes instruments sans utiliser le MIDI*. Avant, je l’utilisais beaucoup plus. Parce qu’à l’origine, quand on avait encore les vieux PC, tu faisais tes rythmiques, et visuellement tu avais des sortes de « pieds » qui donnaient de petits coups à tes événements sonores, afin de les décaler un tout petit à gauche ou un tout petit peu à droite. J’adorais ça. Mais aujourd’hui, tu ne peux plus le faire, parce que les machines n’offrent plus la possibilité de créer des microdécalages rythmiques. Pour l’album, j’ai donc travaillé mes rythmiques différemment. D’abord avec une batterie, ensuite avec une boîte à rythmes* dans mon ordinateur, puis une troisième, et j’enregistrais. Je mettais ainsi des « couches » les unes sur les autres. Ensuite, j’allais dans Reaktor chercher les éléments rythmiques qui me manquaient, une charley par exemple. Alors qu’avant, tu prenais une machine, ou presque, pour tout faire. Pour mes premiers albums, j’avais deux boîtes à rythmes : la Roland TR-808* et la Roland TR-909*. Je faisais tout avec. Aujourd’hui, j’ai sept ou huit kicks [pieds, n.d.l.r.] différents, plus un batteur. J’ai également acheté un plug in qui offre toutes les percussions ethniques imaginables, africaines ou d’Europe centrale, des accordéons aux castagnettes, des tablas aux congas, etc. Aujourd’hui, avec les plug in, tu as beaucoup plus de « sources » qu’avant. L’édition du son est beaucoup moins difficile. Et puis surtout, les « accidents » sonores, les erreurs de manipulation se multiplient…

17Tracés : Des accidents créateurs ?

18L. Garnier : Bien sûr ! Heureusement d’ailleurs ! Mais il y en a toujours eu. Ce sont souvent des erreurs contrôlées. Astral Dreams, par exemple, repose sur une erreur totale. J’utilisais, à cette époque, un DP4, avec de vieux effets. Au moment de composer le morceau, il y avait un quatrième effet que je n’avais pas encore utilisé. Mais au lieu de tourner le bouton 1, j’ai tourné le bouton 4. En ouvrant cet effet, mon snare [caisse claire, n.d.l.r.] a saturé, et je me suis dit : « Génial. » Tout le son d’Astral Dreams est là-dedans. Autre exemple d’erreur : je faisais un remix pour Elegia, d’un morceau qui s’appelle Basic. Elegia était en train de faire un petit solo, lorsque l’ordinateur a crashé. On enregistrait sur DAT. Lorsque l’ordinateur a crashé, ça a fait « glllllllllllllllllll ». On l’a gardé tel quel.

19Tracés : L’histoire de la musique techno n’est finalement qu’une suite de mésusages de machines qui, au départ, n’étaient pas faites pour ça.

  • 7  L’histoire de la Roland TB 303 est celle d’un succès en décalage : lancée à l’origine au début des (...)

20L. Garnier : À la base, oui. La TB303* par exemple7. Mais aujourd’hui, les gens qui s’amusent le plus à faire de la musique, à produire, ce sont les développeurs de software. Prenez Native Instruments, ce sont eux les vrais musiciens. 80 % de la musique électronique aujourd’hui, ce sont les plug in. De fait, que tu aies acheté un Juno 106, un Moog ou un plug in, tu restes en partie tributaire des sons qui se trouvent dans la machine.

21Tracés : En live, on entend tout de même la différence entre le plug in et l’instrument ?

22L. Garnier : Tout dépend du traitement du son. Pour mon nouvel album, je vous défie de distinguer ce qui est un plug in de piano et ce qui est un son de vrai piano, notamment lorsqu’il s’agit d’un Fender Rhodes. Scan X, lui, estime que les plug in actuels n’offrent pas le spectre de basses que l’on peut avoir avec les instruments. Mais tout dépend en fait de la manière dont c’est mixé et masterisé. C’est vrai qu’un plug in ne se mixe pas comme un instrument. Mais parfois, il faut savoir aller à l’exagération et ne pas hésiter à pousser les machines.

23Tracés : Parlons de l’avenir de la musique techno. Il y a une phrase de Jeff Mills* que nous aimerions que tu commentes : « Les progrès de la technologie sont tels que la musique devient parfaite. Aujourd’hui, les gens font de la musique sans aucun investissement créatif. L’ordinateur leur fait tout. C’est ce qui va tuer la musique techno. Le grand coupable de cette dérive, c’est la technologie. »

24L. Garnier : Je ne pense pas de cette façon. La musique de Jeff, pourtant profondément futuriste, n’a pas évolué du point de vue des sonorités. Il a toujours la même Roland TR-909. Son studio est très succinct, il a de très bonnes machines, mais pas par murs entiers. Maintenant, un gamin a beaucoup plus que lui dans son ordinateur. Cela étant, ce qui compte c’est la musique, c’est le résultat. Que ce soit fait avec deux pinces à linge ou avec les meilleurs plug in du monde m’est complètement égal. Mais pour répondre à la phrase de Jeff, je pense que cette musique évoluera toujours. Le jour où elle mourra, quelque chose de beaucoup plus fort naîtra. Aujourd’hui, nous vivons une situation comparable à celle des années quatre-vingt. Avant que la house music n’arrive, le jazz et le rock étaient en train de s’essouffler, la disco était révolue, le funk était trop bien produit, trop lisse. C’est dans ce contexte que la techno est née. Aujourd’hui, il y a certes beaucoup de choses excitantes dans les musiques électroniques. Mais tout est-il pertinent ? Très franchement, grâce à la qualité des machines et à la possibilité d’en acquérir très facilement, il y a une surproduction musicale. Beaucoup de DJs en viennent donc à jouer des morceaux très ennuyeux.

25Tracés : À ce sujet, dis-nous ce que tu penses de la scène de techno actuelle.

  • 8  Christian Death est un groupe de death rock, particulièrement sombre, fondé en 1979, sur la côte o (...)

26L. Garnier : Je ne peux pas te dire que j’adore la musique électronique minimale, mais je ne peux pas non plus te dire que je trouve cela pénible. Des gens comme Danton Eeprom* m’excitent complètement, par exemple. J’ai adoré son Confessions of an English Opium Eater, tout comme La Horse, son projet avec Ivan Smagghe*. Il vient de m’envoyer son dernier morceau, intitulé Wings of Death, qui est un chef-d’œuvre absolu ! Je l’ai envoyé à Stéphane, écœuré de tant de talent, qui m’a répondu : « C’est génial, ça sonne comme du Christian Death8, mais réalisé aujourd’hui. Mais c’est entièrement fait avec Reaktor… » Je lui ai répondu que ça n’avait pas d’importance, car les moyens techniques ne font pas tout. Certaines choses, parfois, les dépassent. De même, le morceau White Knight Two de Surkin* m’a complètement épaté : c’est pour moi un tube absolu, que je mets quasiment au même niveau que les Red 1 et Red 2 de Dave Clarke* ! On y trouve la même puissance. Il y a donc des choses particulièrement intéressantes chez cette nouvelle génération. Cela étant, je maintiens que la surproduction musicale se fait très souvent au détriment de la qualité artistique. Je reçois près de 1 500 morceaux par semaine. Ce qui doit représenter environ 10 % de la production totale de techno. Je passe ma vie à les télécharger, à les écouter et à donner des « retours » aux producteurs et aux labels.

27Tracés : L’une des choses qui te singularise est une culture musicale très large.…

28L. Garnier : D’autres gens ont cette culture. Richie Hawtin* aussi, même si cela transparaît moins dans sa musique. J’ai toujours mis en avant le fait que toutes les musiques m’inspiraient. Du folk au blues en passant par Gainsbourg et surtout Bashung. Mon dernier album est très marqué par la musique africaine. Je vis mes compositions comme une forme de sincérité. En tant que DJ, on est plus ou moins tenu de faire danser les gens, parce qu’on est payé pour ça. Comme DJ, il y a donc des choses que je ne peux pas me permettre de jouer en soirée… Mais en tant que musiciens, on est plus libre.

29Tracés : Mais alors comment fais-tu pour sélectionner, dans tout ce que tu reçois, les morceaux que tu comptes jouer dans tes mixes ?

30L. Garnier : Sur 1 500 morceaux, j’en garde 15 ou 20 par semaine. Ce qui est déjà assez conséquent. Avant, à l’époque des vinyles, on se promenait avec une caisse de disques et demie, soit environ 120 disques. Ces 120 disques étaient renouvelés entièrement tous les six mois, au rythme de 5 disques remplacés par semaine, environ. Il fallait vraiment veiller à ce qu’on enlevait et à ce qu’on remettait. C’était une vraie contrainte technique. Mais maintenant, avec ma mallette de CD, j’ai l’équivalent de 17 ou 18 caisses de vinyles ! Je peux donc avoir l’équivalent d’une nouvelle caisse de disques par mois.

31Tracés : Tu dis vouloir mixer en « racontant une histoire ». La surproduction musicale a-t-elle changé ton approche et ta définition du mix ?

32L. Garnier : Un mix, c’est vraiment une narration. Beaucoup de DJs ne racontent rien du tout. Et pour cause, aujourd’hui, 80 % de la production, c’est l’« apologie du rien », comme me dit un ami DJ. Selon moi, un morceau doit avoir du groove, c’est-à-dire donner envie de danser, dispenser une vraie énergie corporelle. La plupart du temps, les gens enchaînent les morceaux plats, sans réelle construction dramatique. Un pied et une charley ne suffisent pas pour faire un morceau. Pourquoi quelqu’un comme Richie Hawtin, après toutes ces années, reste-t-il l’un des producteurs les plus pertinents dans l’univers de la minimale ? Parce qu’il a développé avec sa musique toute une vision et tout un concept, qui l’emmènent vers quelque chose de différent. Jeff Mills et Richie Hawtin racontent toujours quelque chose.

33Tracés : Pour mixer, il faut donc prévoir une « architecture » narrative complexe ?

  • 9  Sigle pour beat per minute, c’est-à-dire nombre de battements par minute, moyen de désigner le tem (...)

34L. Garnier : Pas seulement. Il faut aussi savoir procéder pas à pas. À chaque morceau, regarder ce qui se passe, l’attitude des danseurs, et agir en fonction de ça. Orienter son mix selon les circonstances présentes, en somme. Il faut essayer de se mettre à la place du danseur. Lors d’un set récent, je m’ennuyais un peu moi-même. J’ai su qu’il fallait casser le rythme, proposer quelque chose d’autre. J’ai mis deux morceaux de hip-hop, un de drum and bass, et c’était reparti ! C’est donc raconter une histoire, mais aussi pouvoir changer cette histoire, changer de sujet et de narration. Quand je pense qu’il y a des DJs, aujourd’hui qui mixent sans casque… Tout est à 132 BPM9, et c’est l’autoroute…

35Tracés : Il est impossible de jouer de cette manière avec des vinyles ! Ton passage de l’interface vinyles à l’interface CD s’est-il fait facilement ?

  • 10  Format de stockage des données audio qui, contrairement au MP3, permet de minimiser les pertes de (...)
  • 11  Logiciel d’édition sonore développé par Sony.

36L. Garnier : Oui, notamment parce que l’essentiel de la production d’aujourd’hui circule sur CD. J’ai franchi le cap très facilement. Mon manager n’y croyait pas et insistait pour qu’on garde des platines au cas où… Mais désormais, je n’ai plus d’excédents de bagages, je ne perds plus mes disques dans les avions… Je les garde toujours à portée de main. J’en ai dix fois plus, et j’ai nettement moins mal au dos. Sinon, du point de vue de l’ergonomie, de l’aspect tactile, je n’ai aucun problème : j’aime tout autant le plateau du CD, j’aime aussi pouvoir faire des boucles. Même si j’aimais jouer avec le support vinyle, faire des effets avec : taper dessus, pour avoir un effet percussif avec le diamant par exemple. Mais sur les lecteurs CD, tu vois par exemple les breaks à venir, la structure du morceau, puisqu’il y a une interface graphique très pratique. J’aime aussi le décompte temporel des platines CD : on sait tout de suite où on en est dans le morceau qu’on est en train de jouer. C’est très utile, d’autant que j’ai moins le temps aujourd’hui d’écouter tous les morceaux et de les connaître absolument par cœur. Et surtout, il n’y a plus de gens qui viennent bouger tes platines et faire sauter ton disque. C’est fini, tout ça. Et puis je grave la plupart de mes CD. J’y mets les morceaux en format .WAV10 et je normalise tout sur Sound Forge11. Donc tout est au même niveau, et je n’ai plus de problème de volume sonore, comme cela arrivait parfois, selon la qualité du pressage des vinyles.

37Tracés : Et la fatigue du DJ international, les souffrances corporelles, comment les gères-tu aujourd’hui ?

38L. Garnier : Je tourne un peu moins qu’avant. C’est vrai que la fatigue se fait sentir, mais j’ai la chance d’avoir encore un pourcentage très élevé de bonnes soirées ! J’ai besoin de 60 ou 70 % de bonnes soirées au minimum. C’est ma drogue, en réalité, même s’il y a de moins en moins de lieux que je trouve intéressants. J’ai fermé le club que je préférais, récemment (le Yellow, à Tokyo), et je fais d’ici peu la fermeture d’un autre que j’adore (The End à Londres). J’ai l’impression de faire beaucoup de fermetures en ce moment… C’est assez triste. Surtout pour le Yellow… En trois jours, on est resté plus de 60 heures dans le club ! Premier soir : Fumiya Tanaka* de minuit à huit heures du matin. Le lendemain, j’ai joué de minuit à deux heures de l’après-midi. Et le surlendemain, François Kevorkian* a joué de minuit à huit heures du matin. Puis, j’ai repris de huit heures à six heures du soir, et après il y a eu Joe Claussel et Danny Krivit, avec François et moi, jusqu’à quatre heures du matin ! Nous sommes donc restés près de deux jours et demi… C’était très fort. Toujours est-il que si je n’avais pas ces 70 % de bonnes soirées, je serais malheureux. Le live est nettement plus intéressant de ce point de vue. L’année prochaine je vais faire du live pendant pratiquement un an. Ce disque-là est le concentré de tout ce que je fais depuis toujours, musicalement. Donc si on arrive à transporter le public comme j’aimerais le faire, en une heure et demie, ça va être grandiose. Dans mon parcours, il s’agit de l’album le plus important et le plus représentatif. Je me pose souvent la question de savoir si je suis has been. Mais je ne fais pas un truc pour faire plaisir aux jeunes, ce n’est pas mon but. Simplement, je ne veux pas devenir un vieux con qui reste dans sa tour d’ivoire sans s’apercevoir que les choses ont tourné.

39Tracés : Tu n’as donc aucune nostalgie ? Par rapport à la techno de Detroit notamment, qui t’a tant marqué, à Underground Resistance* que tu as contribué à faire connaître en France…

40L. Garnier : J’aime toujours leur musique et leur discours militant parfois (même si c’est justement ce qui les rend complètement dépassés). Mais je les ai vus avec Interstellar Fugitive il y a peu, et il y avait malheureusement un vrai décalage entre le groupe et la salle. À un moment, un jeune de vingt ans vient me voir et me dit : « Ils sont bons, mais pourquoi ils portent des cagoules sur la tête ? » Je suis allé voir Mike Banks* ensuite, pour en parler avec lui. Il sait au fond de lui que l’époque de Public Enemy* est un peu finie. Mais Mike n’est pas en train d’entamer un bon tournant. Ce qu’il a pu représenter il y a quinze ans est en train de passer aux oubliettes avec la nouvelle génération. Toute cette musique de Detroit ancrée dans le passé creuse sa tombe. Il faut voir le film de Jacqueline Caux sur Detroit, The Cycle of the Mental Machine, avec The Electrifying Mojo* pour narrateur principal. Elle montre tout le désespoir de cette ville, c’est très fort ! Detroit, bien sûr, c’est le lustre et l’aura, le berceau de la musique techno, mais c’est aussi une ville désaffectée, partiellement en ruines. C’est une ville victime de son propre mythe. Les personnes qui ont fait la musique de Detroit à l’époque, que feraient-elles aujourd’hui ? Est-ce qu’elles feraient, si elles avaient vingt ans aujourd’hui, le son de Detroit de l’époque ? Non. Elles feraient des choses différentes, ce seraient des Danton Eeprom, des Apparat*, des Radioslave*, tous ces jeunes producteurs brillants.

41Tracés : Tu essaies donc de faire évoluer ta propre musique en permanence ?

42L. Garnier : Oui. Regardez, Carl Craig* l’a fait récemment, avec l’orchestre Les Siècles, le pianiste Francesco Tristano et Moritz Von Oswald*. L’initiative m’intéresse. Jeffs Mills l’a fait, Manu le Malin l’a fait. Dépasser les frontières est essentiel, même si on rate son coup. On n’aurait pas la musique d’aujourd’hui sans cette volonté d’aller voir ailleurs. Par exemple, Carl et Maurizio ont récemment sorti un disque sur lequel ils réinterprètent le Boléro de Ravel. Le Boléro est pour moi l’un des premiers morceaux de techno. Habituellement quand on me dit « techno = musique répétitive », je réponds « Et le Boléro de Ravel ? » De mon côté, j’essaie aussi de multiplier les collaborations. Je sors d’une aventure passionnante avec Marie-Claude Pietragalla sur le Marquis de Sade, et là je vais travailler de nouveau avec Preljocaj pour le Bolchoï, à l’horizon 2010. J’ai besoin de ça pour me prouver des choses, pour dépasser le préjugé selon lequel les DJs ne sont pas des musiciens. Avec le disque que je vais bientôt sortir, j’ai laissé ces inquiétudes derrière moi. J’ai commencé par faire des morceaux très musicaux, moins techno, puis j’en ai remixé la plupart, dans une orientation plus nettement dancefloor, comme si je revenais à mes premières amours. Au final, j’aime les deux versions…

43Tracés : Tu es l’un de ceux qui a porté et provoqué la consécration et la légitimation de la musique techno. Mais, dans Electrochoc, au sujet de la Techno Parade par exemple, tu sembles dire que cette musique s’est en fin de compte « trop » institu-tionnalisée. Tu sembles douter de l’intérêt de ce genre de manifestations.

44L. Garnier : Oui, car ce n’est pas comme cela qu’on fera avancer les choses. Prêcher dans sa propre paroisse, ce n’est pas intéressant. Mon idéal est d’ouvrir d’autres chapelles et d’aller à la rencontre d’autres paroisses. Tout en évitant d’oublier mon propre passé. Je donne un exemple : Funk D’void est un très bon ami, j’adore ses productions, mais il ne fait que du Funk D’void. Il ne s’est jamais remis en question, il a ce son toujours aussi propre, toujours aussi brillant, toujours aussi joyeux. Mais c’est important aussi de bouger, de se pousser vers d’autres horizons. Autre exemple : DJ Pierre*. J’ai adoré ses Wild pitch mix, mais il vient de sortir trois disques dernièrement, il a fait les mêmes qu’il y a quinze ans. Or, les choses ont évolué. Ou alors tu fais ce que fait Arnaud Rebotini, qui ne prend que des vieilles machines, que des synthés d’époque, pas de MIDI du tout, et qui fait un album avec ça. J’ai un énorme respect pour ce genre de démarche et son album est très bien. Mais il faut vivre avec son temps, il y a une période où on s’est battu pour les technologies, pour le MIDI, les ordinateurs, le studio et les câbles partout. Si tu t’es battu pour cela il y a vingt ans, alors aujourd’hui il faut essayer de suivre, il faut sonner actuel…

45Tracés : Si tu avais un chapitre supplémentaire à écrire dans Electrochoc (2003), un bilan à faire de ces cinq dernières années.

46L. Garnier : Il faudrait attendre encore un peu pour écrire ce chapitre, mais on parlerait certainement beaucoup d’évolutions technologiques. Tout a changé de ce point de vue, au niveau de la façon de produire mais aussi de « consommer ». Par exemple, j’ai fait une prise de voix le lundi et je l’ai envoyée le mardi à Stéphane [Scan X, n.d.l.r.] ! Avant c’était tellement plus long… Il faudrait également parler de la façon dont ces musiques se sont démocratisées grâce à cela. Si la musique te passionne, tu peux en faire beaucoup plus facilement aujourd’hui, ça ne te coûtera pas plus cher qu’une guitare. Prends Reaktor, et fais un album ! Mais ça ne veut pas dire que tu auras des idées et que la créativité sera au rendez-vous… On parlerait de tout cela dans un treizième chapitre d’Electrochoc. Mais là je me suis lancé dans un projet de film…

47Tracés : Raconte-nous…

  • 12  Titre de l’un des morceaux phare de Laurent Garnier, extrait de son album 30 (1997).

48L. Garnier : On est parti de toutes les informations contenues dans Electrochoc, qui font mon histoire. On a décidé de créer un personnage de fiction et d’écrire un scénario de film autour de lui. Il s’agit d’un DJ qui a mon âge aujourd’hui, dont on raconte l’enfance, puis son départ pour Manchester. Là-bas, il connaît les raves, puis rencontre un DJ très charismatique de Detroit. Je ne peux pas vous en dire plus, parce que le projet est encore en pleine mutation. Mais on y verra Detroit, la ville, ses personnages, sa banqueroute, et aussi Manchester, cette cité en ébullition, ses clubs, l’arrivée de la house, les raves, etc. Quant à la bande son, ça ira de Nina Simone aux Stooges, en passant par Crispy Bacon12 et I Feel Love de Donna Summer. Avec Electrochoc, j’avais essayé de toucher des gens comme vous mais aussi vos parents, beaucoup plus âgés que vous, restés hermétiques à cette musique. Mais à la lecture du livre, certains ont compris que leur fils n’était pas un drogué débile mental, même s’il écoutait de la house et de la techno. Le film relève de la même ambition que le livre : raconter l’histoire d’une passion.

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Bibliographie

Discographie de Laurent Garnier

Albums

1994, Shot in the Dark, Paris, Fcommunications, F014.

1997, 30, Paris, Fcommunications, F063.

2000, Unreasonable Behaviour, Paris, Fcommunications, F115.

2005, The Cloud Making Machine, Paris, Fcommunications, F211.

2006, Retrospective 1994-2006, Paris, Fcommunications, F255.

2007, Public Outburst (Album Live), Paris, Fcommunications, F261.

2009, Tales of a Kleptomaniac, Berlin, Innervisions.

Mixes

2003, Excess Luggage, Paris, Fcommunications, F187-188.

2006, (avec Carl Craig), The Kings of Techno, Berlin, Rapster Records, rr0063co.

Glossaire

Le studio

Boîte à rythmes : instrument analogique ou numérique qui produit des sons de batterie et de percussions.

MIDI : acronyme de « musical instrument digital interface » (interface pour instruments de musique numériques). Système permettant de faire communiquer instruments électroniques et ordinateurs.

Moog : synthétiseur inventé par Robert Moog, il fut le premier générateur de sons électroniques destiné au grand public.

Oberheim DMX: boîte à rythmes mythique de la première moitié des années quatre-vingt, qui permet de produire de nombreuses lignes de basse.

Roland TB-303 : à l’origine générateur de lignes de basse, conçu pour accompagner un instrumentiste solo, elle fut recyclée par les musiciens de house qui, en la triturant, créèrent des sons étranges et dansants.

Roland TR-808 : lancée en 1980, il s’agit de la boîte à rythmes la plus utilisée de tous les temps.

Roland TR-909 : commercialisée l’espace d’une seule année (entre 1983 et 1984), cette boîte à rythmes, très utilisée en house music, propose à la fois des sons percussifs échantillonnés et de synthèse.

Séquenceur : permet à une séquence de sons d’être rejouée sur n’importe quels instruments électroniques, de la manière exacte dont elle avait été créée.

Artistes

Apparat : artiste producteur berlinois qui travaille en étroite collaboration avec Ellen Allien et son label Bpitch Control et réputé pour des sonorités expérimentales et mélancoliques.

Danton Eeprom : producteur français essentiellement actif depuis 2005. Il est le héraut d’une électro souvent minimale, aux influences rock et new wave, teintée d’un romantisme noir.

Dave Clarke : DJ et producteur anglais de stature internationale. Plusieurs de ses maxis sont considérés comme de véritables classiques de la scène techno.

DJ Pierre : avec le morceau Acid Tracks, au sein du groupe Phuture, cet artiste originaire de Chicago est devenu l’un des pionniers de l’acid house à la fin des années quatre-vingt. Cette musique, issue d’un détournement de la boîte à rythmes TB-303, se voulait répétitive, hypnotique et sexuelle. Elle s’est répandue en Europe dans l’Angleterre thatchérienne à l’époque des raves et du Summer of Love.

François Kevorkian : appelé aussi François K, exilé à New York, il a fondé un studio par lequel les plus grands artistes mondiaux sont passés pour produire leur album. Il est l’un des premiers DJ à mixer de la musique électronique au début des années quatre-vingt. Avec Joe Claussel et Danny Krivit, il organise les soirées légendaires Body and Soul à New York.

Fumiya Tanaka : l’une des figures japonaises de l’orthodoxie techno avec Ken Ishii.

Ivan Smagghe : ancien journaliste musical de Radio Nova et des Inrockuptibles, réputé pour ses sélections éclectiques et pointues, il fut aussi membre du duo Blackstrobe avec Arnaud Rebotini et forme avec Danton Eeprom le duo La Horse. Figure de proue de la scène minimale, il est également cofondateur du label Kill the DJ.

Public Enemy : groupe de hip-hop new-yorkais au son dur et agressif, et réputé pour son engagement politique sur le front de la condition de la communauté noire aux États-Unis.

Radioslave : artiste réputé pour des productions et des remixes de grande qualité et au retentissement régulier.

Scan X : Stéphane Dri est une des signatures de référence du label FCom de Laurent Garnier et Éric Morand. Il fut l’un des premiers artistes français à avoir joué en live ses propres morceaux, toujours réputés pour leur grande qualité de production.

Surkin : jeune artiste signé sur le label parisien Institubes, promoteur d’une électro excessivement dansante, très influencé par les productions de la ghetto house de Chicago.

Winston McAnuff : artiste jamaïcain de reggae roots qui a collaboré avec un certain nombre d’artistes européens.

Detroit

Carl Craig : une des figures mythiques – à l’instar de Jeff Mills – de la scène techno. Ses différents pseudonymes témoignent de la diversité de ses productions, allant d’une techno relativement orthodoxe, minimale ou groovy à un jazz plus futuriste. Célèbre remixeur, il a fondé le label Placet E.

Derrick May : appartient à la première vague fondatrice de la techno de Detroit avec Juan Atkins et Kevin Saunderson. Auteur de morceaux fondateurs comme Strings of Life, il est connu pour avoir affirmé : « Notre musique est à l’image de Detroit : une erreur totale. Ce serait comme enfermer Kraftwerk et George Clinton dans un ascenseur avec un séquenceur pour seule compagnie. »

Jeff Mills : pionnier de la techno aux États-Unis, auteur de morceaux mythiques comme The Bells, il est connu aussi pour ses mixes ciselés et rapides. Cofondateur du label Underground Resistance avec Mike Banks à Detroit, il fonde ensuite les labels Axis et Purpose Maker, deux versants complémentaires de la techno telle qu’il l’envisage, d’un côté festive et dansante, de l’autre plus introspective et mentale. Auteur d’une bande son pour les Trois âges de Buster Keaton, il a collaboré avec l’orchestre philharmonique de Montpellier pour rejouer son répertoire sous le pont du Gard.

Mike Banks : figure tutélaire et patron du label UR, surnommé Mad Mike, il est le symbole d’une intégrité et d’une orthodoxie musicale sans compromis au sein de la techno.

Moritz Von Oswald : l’un des membres du duo allemand Maurizio et l’une des figures les plus respectées dans le milieu, considéré comme l’un des pères fondateurs du minimalisme électro.

Motown : nom d’un label de Detroit, en référence au surnom de cette dernière, Motor City. Ce label est connu pour avoir fait la promotion de la soul et de la funk et a compté parmi ses signatures les plus connues Marvin Gaye, Stevie Wonder, Diana Ross, The Temptations, etc.

Richie Hawtin : connu aussi sous le nom de Plastikman, cet artiste canadien a participé des premiers élans créateurs de la techno. Il vit désormais à Berlin où, au sein de son label Minus, il développe une techno dépouillée, minimale et futuriste, sur fond de réflexion sur les technologies de production et de diffusion de la musique.

The Electrifying Mojo : DJ de Detroit et présentateur d’émissions radio cultes entre la fin des années soixante-dix et le début des années quatre-vingt, il est considéré comme l’une des grandes influences des pères fondateurs de la techno (Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson) pour avoir importé les sonorités synthétiques européennes des groupes Kraftwerk ou New Order.

Underground Resistance ou UR : collectif de musiciens et d’artistes regroupé autour du label techno du même nom. Fondé par Mike Banks, Jeff Mills, Robert Hood et Darwin Hall dès 1989, ce groupe revendique dès l’origine un engagement politique radical, à l’image du groupe de rap Public Enemy, en faveur d’une défense communautaire de l’identité noire. Ses codes visuels, empruntant à la fois aux langages du domaine paramilitaire et de la science-fiction, illustrent assez bien l’idée d’une lutte futuriste, souterraine et anonyme (les artistes apparaissant souvent masqués ou cagoulés) contre l’ordre dominant. Ses groupes portent des noms évocateurs : Interstellar Fugitive, Los Hermanos [les frères], Galaxy 2 Galaxy.

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Notes

1  Intervention, sur le morceau Acid Eiffel de Laurent Garnier, de Carl Craig pour son mix Kings of Techno (2006).

2  Laurent Garnier et David Brun-Lambert, Electrochoc, Paris, Flammarion.

3  Cet entretien a été réalisé en octobre 2008. Mais au moment où le numéro « Techno- » est publié, l’album Tales of a Kleptomaniac sort également. Les noms suivis d’un astérisque (*) font l’objet d’un glossaire à la fin de l’entretien.

4  Morceau sorti en février 2009.

5  Un plug in est un petit programme ne pouvant fonctionner seul et se greffant donc sur l’interface d’un logiciel plus puissant. Il étend ses fonctionnalités et permet de modifier certains paramètres. Dans le cas de la production et du traitement du son, les plug in servent avant tout à ajouter divers effets.

6  Reaktor est un logiciel de production musicale qui fonctionne comme un studio virtuel. Les utilisateurs bénéficient à la fois de nombreux instruments inclus dans son interface, mais aussi de ses possibilités d’inclusion de nombreux plug in.

7  L’histoire de la Roland TB 303 est celle d’un succès en décalage : lancée à l’origine au début des années quatre-vingt comme synthétiseur/séquenceur* capable de fournir des lignes de basse d’accompagnement aux instrumentistes solos, ses sonorités électroniques étranges déconcertent ces derniers. Les producteurs d’acid house, quelques années après, en feront un usage forcené, rendant leur musique, et ses lignes de basse « acid », immédiatement reconnaissables.

8  Christian Death est un groupe de death rock, particulièrement sombre, fondé en 1979, sur la côte ouest américaine, par le chanteur, poète, écrivain, réalisateur et compositeur Rozz Williams, qui cultive des références volontiers littéraires.

9  Sigle pour beat per minute, c’est-à-dire nombre de battements par minute, moyen de désigner le tempo.

10  Format de stockage des données audio qui, contrairement au MP3, permet de minimiser les pertes de qualité sonore.

11  Logiciel d’édition sonore développé par Sony.

12  Titre de l’un des morceaux phare de Laurent Garnier, extrait de son album 30 (1997).

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Pour citer cet article

Référence électronique

Florent Coste, Arnaud Fossier et Thomas Mondémé, « « This is not just music, it’s techno. » Entretien avec Laurent Garnier », Tracés. Revue de Sciences humaines [En ligne], 16 | 2009, mis en ligne le 20 mai 2011, consulté le 24 mai 2017. URL : http://traces.revues.org/2733 ; DOI : 10.4000/traces.2733

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Auteurs

Florent Coste

Doctorant en littérature médiévale au CPTC (Centre pluri-disciplinaire textes et cultures, Université de Bourgogne) et AMN à l’Université de Bourgogne/Sciences-po.

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Arnaud Fossier

Doctorant en histoire médiévale au CIHAM (Centre interuniversitaire d’histoire et d’archéologie des mondes chrétiens et musulmans médiévaux, CNRS, EHESS, ENS LSH, Université Lyon 2) et AMN à l’EHESS/Paris 10 Nanterre.

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Thomas Mondémé

Doctorant en littérature au sein d’ESR 17-18 (États, sociétés, religions), et AMN à l’Université de Versailles Saint-Quentin.

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Droits d’auteur

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